(Crédits photos live : Pierre d’Argy)

C’est toujours un peu douloureux de constater qu’on aime un groupe pour ce qu’il a été plutôt que pour ce qu’il est. C’est mon cas avec Jamiroquai.

De ses débuts dans les années 90 à la fin de son règne au milieu des années 2000 le groupe emmené par Jay Kay a enchaîné les tubes au son pop-funk enlevé et souvent irrésistible. Cosmic Girl, Little L, Canned Heat ou Deeper Underground, c’était pas exactement n’importe quoi. L’album A Funk Odyssey s’impose encore aujourd’hui encore comme une vraie réussite (et a toujours un de plus beaux artworks de ces récentes années).

Après une pause de cinq ans (le dernier disque en date, Dynamite, n’avait pas vraiment marqué les esprits), le groupe revient avec Rock Dust Light Star. Là encore, on peine à s’enthousiasmer complètement. C’est toujours funky et jamais désagréable, mais l’ensemble manque un peu de relief et de tubes. A l’exception du premier single White Knuckle Ride, pêchu et doté d’un refrain imparable, le reste n’atteint jamais les standards groovy du groupe.

De It’s Pop!

Le live sauve souvent ce genre d’impression moyennement enthousiaste. Mais en investissant une boite de nuit de la place de l’Etoile où la visibilité était quasi nulle étant donnée la configuration invraisemblable de la salle, le groupe s’est tiré une balle dans le pied. Chaud à défaut d’être chaleureux, le set a fait la part belle aux nouveau titres, certes excellemment servis par un groupe au diapason et un Jay Kay plutôt en forme mais guère volubile, cependant jamais  vraiment capables de mettre le feu. Il faudra attendre les derniers titres du show pour s’amuser vraiment. Eh oui, Love Foolosophy et Deeper Underground en live, ça se savoure très bien.

Reste maintenant à redécouvrir le groupe sur une scène adaptée, avec une setlist étoffée d’anciens morceaux. En attendant, vous pouvez vous refaire le best-of, il n’y a pas grand chose à y ajouter.

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Pour écouter l’album en entier, c’est ici.

La performance de Jamiroquai sur le plateau du X Factor anglais.

Arrivée dans le paysage musical il y quelque mois la jeune et jolie Madjo offre un cocktail rafraîchissant de pop mâtinée de soul avec son premier album Trapdoor. Mélangeant anglais et français avec une aisance totale au gré des douze morceaux de son disque, elle affiche une belle personnalité et une indépendance certaine. De la conception de son album à sa promotion, en passant par la gestion de sa vie online, elle garde la main en harmonie avec un label qui a compris son intérêt à ne pas enfermer ni limiter son artiste.

Trapdoor est un bel album rempli de titres joliment travaillés mais jamais départis d’un certain grain d’originalité. Un son parfois brut, que la voix chaleureuse de Madjo sert à merveille. Si certains titres demandent quelques écoutes pour convaincre tout à fait (Le Coeur Hibou, Cracheur de Feu), le charme indéniable des compositions opère. Sans compter que nombre de chansons font figure de tubes. On pense évidemment au premier single, le dynamique Nid des 100 soucis (dont vous pouvez découvrir le clip ci-dessous), mais également l’entêtant Leaving My Heart ou encore Mad Mind ou Je Claque Des Doigts. Petite note personnelle, les titres en anglais semblent plus efficaces mais les textes francophones n’ont pas à rougir, puisqu’ils se font l’écho d’un univers séduisant et cohérent.

Sur disque comme en vrai, Madjo est une jeune femme immédiatement sympathique, vive et pleine d’humour. Une belle rencontre que je vous propose de retrouver ci-dessous, de même qu’une playlist composée par ses soins. N’hésitez pas à découvrir Trapdoor, assurément l’une des révélations de cette année qu’on espère retrouver en lice pour les prochaines Victoires de la Musique. Ce serait la moindre des choses, et un beau coup de projecteur pour une jeune femme qui le mérite.

Pour écouter l’album de Madjo, c’est par ici !

Concert : Madjo sera à la Maroquinerie le mardi 16 novembre et est actuellement en tournée un peu partout.

Qui es-tu Madjo ? Et quelle est la genèse de ton album Trapdoor ?

Madjo : J’adore cette question… Elle est tellement vaste ! (rires). Alors… la Madjo d’aujourd’hui… Je viens de sortir mon premier album “Trapdoor”, donc c’est une période riche en émotions. Je suis très soulagée que ce soit sorti, j’ai mis du temps pour y arriver. J’ai travaillé avec un réalisateur/arrangeur qui s’appelle Sébastien Lafargue, avec qui on s’est enfermés pendant presque deux ans. On a bossé dans une espèce de bureau avec un protools, des micros, des guitares, des claviers, des amplis le tout dans 10m2. D’où l’idée de cette trappe qui donne son nom au disque. Pendant tout ce temps on a cherché, jeté, bricolé, et puis on a fini par arriver là où on est aujourd’hui. Donc cet album est vraiment le fruit d’une collaboration. Je ne l’ai pas fait toute seule, j’aime appuyer cet aspect là. La rencontre artistique a été très très forte autant pour les textes (que je n’écris pas systématiquement seule) que pour la musique. Voilà, Madjo, c’est un peu tout ça !

Pourquoi avoir pris le parti de chanter à la fois en anglais et en français et ne pas te cantonner à un style ? C’est risqué de proposer un album pas homogène, non ?

C’est vrai, mais j’ai quand même l’impression que la patte vocale est toujours présente. Je me suis autorisée ces deux langues-là parce que pour l’anglais d’une part c’est un reflet de mes influences, c’est ce que j’aime. Beaucoup d’artistes que j’écoute sont anglo-saxons. Le français d’autre part, c’est ce que je suis, c’est ma langue maternelle. J’y mets autre chose. D’ailleurs ma voix n’est pas la même dans les deux langues. Il y a vraiment deux histoires différentes, qui en même temps se rejoignent je pense. C’est aussi pour cela que j’ai mélangé les titres. Il n’y a pas une partie “en français” et une autre “en anglais”.

Tu évoquais tes influences, justement quelles sont-elles ?

J’écoute beaucoup de choses… Je suis admirative de la scène new-yorkaise, plus précisément celle de Brooklyn, qui en ce moment est tellement riche ! Après la scène nord-américaine en général. J’adore Sufjan stevens, Arcade Fire, The National… J’ai écouté beaucoup de femmes aussi Rickie Lee Jones, Joni Mitchell… Et puis bien sr il y a les classiques, Stevie Wonder, Ray Charles, les Beatles qui sont peut être pas vraiment rock, mais moi je n’ai pas les classiques genre Rolling Stones… Mo père écoutait Led Zepplin, du rock progressif. Ça, c’est plus ce que j’ai pu entendre à la maison.

Tu as baigné dans un milieu musical ?

Non pas vraiment. Mes parents écoutaient beaucoup de musique… Enfin quand je dis mes parents, c’est aussi mon oncle, qui écoutaient énormément de choses, ma grand-mère qui était un folle de musique noire-américaine, donc du coup tout s’imbrique. J’ai un bel héritage de tous ces passionnés.

Je reviens sur le choix de chanter en anglais. A-t-il été difficile à imposer à ton directeur artistique ?

Non, c’est fini ça ! Ca n’existe plus parce que je pense que les maisons de disques ont du faire face à internet. Ca a ouvert les frontières, dans le sens où des artistes comme Phoenix par exemple, ont commencé à chanter en anglais alors qu’internet n’avait pas la puissance d’aujourd’hui. Il se sont exportés et ont eu du succès à l’étranger avant même de marcher en France. Je pense qu’il n’y a plus de barrières à se mettre. On a longtemps été très craintifs, et les choses changent.
J’ai de la chance, les gens ne m’identifient pas par rapport à la langue dans laquelle je chante. Ils m’identifient d’abord par rapport à la musique. Peu importent les mots. Ils sont un support qui vient se poser sur la musique. Je ne pense pas “français/anglais”. Je ne me dis pas “ah on m’a entendu sur Le Nid Des 100 Soucis et en même on m’a entendu sur Nova avec Leaving My Heart”.
Ok le marché est hyper normé, mais ce n’est pas quelque chose qui me parle. Je prends des risques, je le sais, mais d’autres avant moi l’ont fait sans problème. Aujourd’hui un artiste est un artiste “du monde”, et souvent on veut nous barricader, nous mettre des frontières, mais moi je n’ai pas envie de ça.

Pour rester sur les problématiques liées à internet, tu as la “chance” de sortir ton premier album chez une major (Mercury/Universal ndr), alors que le nombre de signatures d’artistes décroît et surtout dans un contexte économiquement difficile pour l’industrie du disque (d’autant plus pour pour les jeunes artistes). Par ailleurs on note pas mal d’initiatives pour essayer de changer les choses (crowdfunding, direct to fan…). Quel est ton regard sur tout ça, et sur le fait d’être en major et donc de bénéficier d’un soutien plutôt fort ?

Franchement, y’a du bon et du moins bon dans tout ça. Quant à mon histoire personnelle, et au fait d’être en major, on va dire que je ne croulais pas sous les demandes avant, donc j’ai trouvé ça risqué de la part d’Universal de me signer !
Je lisais tout à l’heure dans les Inrocks que Radiohead venait de finir son nouvel album et qu’ils ne savaient pas comment il allaient le sortir. Un des membres du groupe disait (je ne sais pas si ça a été déformé) que ce côté “support” d’un label, d’une équipe lui manquait. Moi je ne difféencie pas major/indé pour moi ce sont des labels avec des gens qui travaillent. Le reste ne veut pas dire grand chose. Je crois encore qu’on a besoin de gens autour de nous, et puis surtout d’interface humaine. Ce qui me fait peur parfois, et pourtant je suis quelqu’un qui utilise internet, et je trouve ça génial, je suis inscrite sur Spotify, je leur donne 10€ par mois et je l’avoue, j’achète moins de disques qu’avant, mais je pense qu’il ne faut pas perdre vue le côté humain des choses. Je suis contente de pouvoir me pointer ici (les superbes bureaux/studios de son équipe de management dans un îlot de calme à deux pas de la place de la République), de voir mon manager, de pouvoir l’appeler, d’avoir un vrai rapport avec les équipes. On peut retrouver ça sur internet aussi, dans une moindre mesure, mais un mélange des deux, c’est super important, c’est un équilibre à trouver.
Les trucs comme My Major Company, je suis un peu mitigée, j’ai l’impression qu’on veut aller trop vite alors que les artistes doivent avoir le temps de se développer. Là on les met en avant avant même que le projet ne soit prêt, et ça casse la magie, et ça entretient le zapping…

Toujours sur internet, quel est ton rapport aux réseaux sociaux ? Est-ce quelque chose qui te touche ou pas ?

J’aime bien garder les rênes, donc je ne suis pas présente partout. La maison de disques m’a crée un compte Twitter, mais ça ne m’intéresse pas du tout, ce n’est pas mon truc. Je m’occupe du Facebook, avec le label, je le fais vivre aussi, le site pareil. Je l’ai crée sous forme de blog parce que je voulais quelque chose de simple.
Non mais ça m’intéresse ! Je suis très curieuse de tout ça. C’est bien pour créer un lien avec les “fans” mais il faut aussi savoir s’en détacher aussi. Tout le monde y va de son avis (sur iTunes, Deezer, par exemple) et ça peut être un peu dur pour un artiste de lire des commentaires négatifs. Sinon ce que j’aime bien c’est pouvoir créer des contacts immédiats pour des interviews, des captations sans forcément avoir à passer par la maison de disques.
En gros pour moi internet c’est une question de dosage. Aujourd’hui avec les blogs tout le monde peut donner son avis et les gens ont l’impression d’avoir une importance qu’ils avaient peut être moins avant. Quand tu es artiste je pense qu’il faut se protéger, il ne faut toujours chercher à savoir ce que l’ont dit de toi.
Sinon les encouragements, les mots sympa, c’est porteur de bonne énergie, ça donne envie de continuer alors rien que pour cet aspect, ça vaut le coup.

Quand on est une jeune artiste qui évolue dans le cadre disons structuré d’une major, comment envisage-t-on la problématique du piratage, de la rémunération des artistes et d’Hadopi ?

Pour ce qui est du label, on connaît leur position. Ce n’est pas forcément la mienne. Je ne suis pas du tout pour Hadopi, je trouve que c’est une mesure hypocrite. En permettant aux gens d’accéder à internet à haut débit, en leur fournissant des supports pour télécharger et partager la musique, on savait très bien ce qui se passerait. Il faut prendre ses responsabilités et arrêter de prendre les gens pour des cons. En revanche je pense que sensibiliser les gens à la valeur de la musique, c’est important. Rémunérer les artistes pour leur travail c’est primordial. Je suis pour une licence globale, que les gens paient des abonnements. Prenez Spotify, c’est très bien. Pour 10€ par mois on a accès à toute la musique qu’on veut et si on a envie, on peut aller l’acheter après.

Ceci dit Spotify pose le problème de la rémunération, non ? Un artiste ne gagne pas d’argent grâce à ça.

C’est sûr que c’est un problème. C’est comme Myspace, qui n’a jamais rien reversé aux artistes. Pourtant on est tous sur Myspace. Moi aujourd’hui je en peux pas me permettre de ne pas être sur ce type de plateformes, ne serait-ce pour permettre aux gens de connaître ma musique.
Il ne faut pas se mentir, aujourd’hui c’est la scène qui fait vivre les artistes.

Ton univers visuel semble très travaillé. De quoi se nourrit-il ?

Il se nourrit beaucoup de cinéma, notamment américain (encore une fois !). J’aime cette liberté  qu’on retrouve notamment chez Spike Jonze et qui est loin de l’académisme français. Bon après, un mec comme Michel Gondry, qui est français et que j’adore, est parti là-bas pour travailler. J’adore ce type d’univers très marqué.
Je travaille avec de jeunes photographes, parmi lesquels ma sœur. C’est un peu ma Haus of Gaga à moi ! On avance ensemble, et on réfléchit beaucoup : du coup il y a du bon et du moins bon, mais on apprend beaucoup. Pareil pour le clip, je suis ravie du résultat. On l’a fait avec très peu de moyens, et le rendu est super. C’est moi, je m’y retrouve !

Qui sont tes artistes du moment ?

Je suis totalement fan d’Aloe Blacc, j’adore I Need A Dollar. En ce moment j’écoute beaucoup Animal Collective, le dernier album de Grizzly Bears a été une grosse claque aussi. Et le groupe Junip, qu’a formé José Gonzalèz : c’est très beau. Le dernier album des Black Keys est fabuleux, et sinon le dernier Arcade Fire.

De It’s Pop!

Avec qui rêverais-tu de collaborer ?

Je ne sais JAMAIS quoi répondre à ça ! Bon si je devais enregistrer un duo demain matin, je dirais Ben Harper, je le trouve très charismatique. Sinon j’adore le travail de Patrick Watson alors pourquoi pas lui. Son univers est très cinématographique, j’aime beaucoup. Patrick, si tu m’entends… !

Un artiste ? Un album ? Une chanson ?

L’artiste, on va dire Bon Iver. Un album “High Violet” de The National. Et la chanson je dirais Shadow Boxer de Fiona Apple.

Playlist (lien Spotify)

1) Une chanson pour se réveiller le matin
Elliot Smith – Between The Bars
2) Une chanson pour le sport
Phoenix – 1901
3) Une chanson à chanter sous la douche, en mode rockstar
Feist – Mushaboom
4) Une chanson à fredonner dans la rue
The Shins – Australia
5) Une chanson à mettre à fond dans la voiture
Arcade fire –  No Cars Go
6) Une chanson pour bouger son corps sur le dancefloor
Empire Of The Sun – Walking On A Dream
7) La chanson de soirée ultime
Michael Jackson – Don’t Stop till You Get Enough
8 ) Une chanson spéciale déprime
Jeff Buckley – So Real
9) Une chanson pour s’amuser sous la couette…
La BO d’American Beauty
10) Les plaisirs coupables.
Mariah Carey – Heartbreaker
11) La chanson dont elle ne se lassera jamais
Jeff Buckley – Hallelujah
12) Sa chanson du moment
Cat Power – Don’t Explain
13) Le premier disque qu’il ait possédé.
Fiona Apple – Tidal
14) La dernière chanson qu’il ait écoutée
Phoenix – Fences

Barbus, hirsutes : les cocos jouaient du rock crasseux. On est comme ça à Nashville, Tennessee, patrie de Jack Daniels la boisson qui chauffe. Mais tout cela ne durerait qu’un temps.

En septembre 2008, on redécouvrait ces mêmes frangins en Dieux du Stade, avec un album remplis de tubes, de reverbs et d’overdubs (ceux qui n’ont rien compris n’ont qu’a appeler n’importe quel numéro vert).

Leur troisième album « Only by the Night » est un carton plein dans le monde grâce en partie aux titres Sex On Fire, Crawl et Use Somebody. Le groupe des Followill découvre ensuite les lames de chez Gillette, l’eau de Cologne façon propret, le dentifrice et certainement un peu les joies de photoshop…et arrondie son image pour rejoindre le gang des stadieux : U2, Red Hot Chili Peppers, Coldplay et compagnie.

Mais attention : le groupe fait peut être fonctionner le tiroir caisse, mais garde sa créativité et sa fougue…et surtout cette voix unique, celle de Calleb, tout en bronchite mal traitée et lendemain de pâquet de clopes.

Voila le clip de Radioactivity, premier single du nouvel album.

Et donc, de fil en aiguille, par ci-par là, comme ci, comme ça : Kings of Leon est devenu un mastodonte multi-platiné, la vie des frères Followill a été boulversée, ils sont devenus plus alcooliques puis plus sage, ont épousés des mannequins à qui ils veulent faire un tas d’enfants et de cousins ( qui joueront probablement tous dans un grand groupe un jour), Will I.A.M s’est mis à jouer Sex on Fire pendant les concerts de « Black Eyed Peas »….

Le 4e album vient de sortir un peu partout. « Come Around Sundown« , il va rejoindre direct MGMT et Arcade Fire au rayon des très grosses sorties indés et à l’heure où nous parlons il est déjà presdque numéro un en Grande Bretagne et ailleurs…

Au premier contact ce  5ème album s’inscrit bien dans la lignée d’ « Only By the Night », il est taillé pour les stades et contient son lot de tubes en puissance, peut être plus calme… Comme ce Pyro ci dessous. Pour les voir sur scène il va falloir un peu se déplacer vu que le quatuor est en tournée européene jusqu’a Noël, toute l’Europe? Non, pas la France.

Voila la messe est dite, bonne semaine !!

Yodelice, c’est juste l’une des meilleures ré-inventions artistiques des ces dernières années. Souvenez-vous du début des années 2000. Le beau gosse qui produit l’album du girlband français L5? Le grand brun ténébreux qui joue (mal) dans Alive, l’un des dix pires films de tous les temps? Le médiatique compagnon de la chanteuse Jenifer? Un seul et même homme: Maxim Nucci. Légèrement tiré vers le bas par ces incartades bien peu valorisantes aux yeux des cools, la carrière solo du l’homme peinera à décoller (attention, euphémisme), malgré une couleur pop-rock plutôt agréable. Si Alive n’est pas vraiment pardonnable, on peut lui reconnaître un beau travail de production sur l’album des cinq vilaines de Popstars, qui se rapproche plus des sonorités pop modernes de leurs cousines anglo-saxonnes qu’à une resucée des So What.

Mais là n’est pas vraiment la question. Notre bon Maxime, par ailleurs excellent musicien, a en 2008 une idée qui va sauver sa carrière : abandonner son look de boyband et l’univers musical un peu niais dans lequel il évolue pour se créer un personnage : Yodelice. Son pseudo, qui fait référence à la « Casa Yodelice » où il a enregistré son « premier » album The Tree Of Life, un nouveau look barbu-hobo-chapeauté et surtout un son pop-folk chaleureux lui permettront d’arriver là où il n’aurait jamais pu arriver sans cette réinvention. Le public français n’est généralement pas enclin à accepter les changement radicaux ou autres expérimentations musicales, et s’imposer à lui sous une nouvelle identité était le moyen le plus finaud d’y arriver. Bien sûr, la barbe et le chapeau melon font sans doute moins saliver les amatrices de mannequins propres sur eux, mais au moins les pairs et les sceptiques des premiers temps ne peuvent plus reprocher à l’artiste de se cacher derrière son physique.

Aujourd’hui sort Cadioid, le deuxième album de Yodelice. Si le premier m’avait laissé un peu froid malgré d’évidentes qualités, il en va différemment pour celui-ci. Ce second opus est une réussite totale et la confirmation d’un univers aussi particulier que passionnant dans lequel on entre dès Breathe In, le premier titre. More Than Meets The Eye, le single qui a la charge d’attirer la lumière sur l’album, remplit parfaitement son office en proposant une folk accessible et mélodique très facilement mémorisable. Les titres les plus marqués rythmiquement (My Blood Is Burning, Wake Me Up), en plus d’être ceux qui retiennent le mieux l’attention, sont ceux qui s’avèrent les plus intéressants mélodiquement. Experience porte bien son nom, puisqu’en près de six minutes son interprète nous ballade au gré d’une montée de tempo très réussie qui constitue le centre du disque. Picture Perfect et Five Thousand Nights (en duo avec Marion Cotillard) marquent le retour des titres folk plus posés, tandis que Monkey’s Evolution constitue un épilogue brillant, après seulement neuf titres. Il n’était en effet pas nécessaire d’en faire plus pour séduire.

La cohérence de Cardioid ne se dément jamais et montre un artiste inspiré et à l’aise, doté d’un réel univers et fort d’une maîtrise totale. Une réelle réussite que les plus admirateurs d’entre vous pourront prolonger au cinéma puisque Maxim Nucci tient un rôle secondaire dans Les Petits Mouchoirs de Guillaume Canet (qui avait réalisé le clip de Sunday With A Flu), lui-même compagnon de Marion Cotillard que l’on retrouve sur l’album. 2010 aura donc été une bien belle année pour Yodelice Nucci, nul doute que la suivante suivra le même chemin.

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Yodelice – Cardioid (Mercury/Universal) / Sortie le 25/10 en CD & Digital / En tournée (à Paris: au Bataclan le 22/11 et à la Cigale le 24/11).

Sorti au début de ce mois d’octobre, l’album de The Two traduit la complicité du duo David Jarre et Ara Starck.
10 ballades enlevées, aux instrumentations pop folk, forment ce “tout” amoureux et distingué. De “I wanna be with you again” à “Every day”, l’univers d’un couple moderne se dessine. David fait preuve d’humilité dans son jeu de guitare. Bien que l’homme se réclame de Pearl jam ou encore Led zeppelin, ses solos murmurent de douces complaintes à l’oreille de sa bien aimée, bien loin du fracas psychédélique de ses pairs.

Ce disque est une véritable respiration dans l’univers pop folk ou les duos hommes femmes fleurissent comme du chiendent, The Two réussi le pari de nous faire partager une vision fraîche et différente de la musique.

ECOUTER :

The Two -  Everyday

Vous pouvez retrouver la version anglaise de ce billet sur mon blog perso It’s Pop!

Par ailleurs je tenais à vous signaler la naissance d’un nouveau site musical de qualité : Maison Camiba, où cette chronique est également postée aujourd’hui. Retrouvez-les aussi sur Facebook.

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Il faut du cran pour s’essayer à la musique lorsque l’on a Sting-le-hitmaker comme géniteur (qui n’est pas vraiment à plaindre question succès) et qu’on ne ressemble pas tout à fait à Shakira. On prend le risque de finir moquée comme Kelly Osbourne. A moins d’avoir du talent, bien sûr. Coco Sumner, elle, en a à revendre. Son premier album The Constant est une réussite totale.Cette fille force le respect. A vingt ans, l’âge où beaucoup se demandent encore ce qu’ils pourront bien faire de leur vie, elle propose un disque impressionnant de maturité et rempli de tubes potentiels, aux mélodies instantanément accrocheuses et fait preuve d’une maîtrise évidente.

La voix grave et le style décalé de Coco font d’elle une nouvelle venue un peu à part, à côté des poupées sexy et glamour souvent de mise dans le paysage pop. Au lieu d’essayer de ressembler à tout ce qui se fait sur la scène actuelle, elle a pris le parti de ne pas s’imposer de limite musicale et de faire la part belle à la diversité. Du son dance sautillant de Ceasar (sur lequel elle a eu la bonne idée d’inviter la toujours parfaite Robyn), au plus electro-rock Quicker (sans doute l’un des meilleurs singles de l’année), en passant par les influences reggae de No Smile ou le son plus sombre de The Constant, l’album dans son ensemble donne l’impression d’une virée dans l’esprit inspirée d’une artiste prometteuse. Enfin Selfmachine et Party Bag assurent côté hits. En fait chaque titre du disque ferait un bon single.

Il est regrettable que la campagne promo ait été aussi mal menée jusqu’à présent, avec pas moins de quatre singles déjà sortis dans l’indifférence quasi-générale (Caesar, Selfmachine, Quicker, In Spirit Golden). Cet élément, et la qualité de l’album me font penser à l’excellente Marina And The Diamonds dont le chemin vers la gloire n’est pas aussi droit qu’il
devrait l’être. N’y a-t-il donc aucune justice dans le monde impitoyable de la pop ?

Aucun doute, The Constant est l’un des albums de l’année.

I Blame Coco – The Constant / AZ/Universal / Disponible depuis le 11/10 en CD et sur les plateformes de téléchargement légal. En concert à Paris le 1er décembre (Nouveau Casino)

Ceux d’entre vous qui me sont fidèles chaque lundi savent que je m’enthousiasme rarement pour la production musicale francophone. Pas par anglophilie forcenée, mais plutôt parce que très peu d’artistes de chez nous savent faire vibrer ma corde pop. Autant vous dire que Raphaël, même si j’ai toujours suivi sa carrière d’une oreille, ne bénéficiait pas d’une cote Scissor-Sisteresque jusqu’à présent. Bon ça, c’était avant Pacific 231.

Il faut dire que les choses ont plutôt bien commencé. Chanceux que je suis, l’album m’a été livré par les deux hommes entourant le chanteur sur la pochette de son disque, oui oui masque de soudeur compris. Au bureau. En pleine journée. Jolie opération de marketing, qui s’est poursuivie par une chasse au trésor dans les rues de Paris via Twitter et Foursquare, ainsi que Kais vous l’a expliqué la semaine dernière. A ce stade, je pensais encore que le (superbe) packaging serait bien supérieur au contenu. Bah oui Raphaël, sa voix nasale vite énervante, son look d’ado à 35 ans, ses ritournelles relou sur des Caravanes, ça avait plûtot tendance à me gonfler ces dernières années. Ceci dit son premier album Hôtel De L’Univers était fort intéressant (écoutez Petite Annonce, Cela Nous Aurait Suffit ou Laisse Faire), rebellion Saezienne à deux balles mise à part.

Plein de bonne volonté, séduit par un marketing sympa et curieux suite à quelques bons échos glanés ça et là, j’attaquai l’écoute avec autant de circonspection que d’espoir. Car OUI, on peut changer. Regardez Kylie Minogue. Il lui a fallu huit ans pour passer de I Should Be So Lucky à Confide In Me. Bref.

Quarante et une minutes et seize secondes plus tard, j’ai du me rendre à l’évidence :  le cinquième album de Raphaël Haroche est brillant. Point. Son style est mature sans être vieux, les textes parfois profonds, souvent poétiques même si énervants à une ou deux reprises (Le Patriote, un peu facile…), les mélodies sont prenantes, souvent entraînantes et émouvantes, et même sa voix a gagné en tenue ce qu’elle a perdu en nasalité. Tout concorde : Pacific 231 est un grand album de pop française, et pas de variété. Une pop qui a de la classe, et qui place son interpète à son meilleur niveau, comme s’il avait enfin trouvé le bon équilibre entre compostions ambitieuses et soignées, textes intelligents auxquels on s’identifie facilement, et interprétation sobre.

Je préfère vous laisser découvrir l’album dans son intégralité plutôt que de vous le décrire titre par titre, car l’ensemble a une réelle cohérence, à défaut de comporter des « singles » et des « tubes ». Si on veut absolument isoler les titres les plus efficaces, on peut citer Bar de L’hôtel, Locomotive et Je Hais Les Dimanches. Mais pas sûr que ce soit la meilleure chose à faire.

C’est que ce très beau disque me donnerait bien envie de découvrir l’artiste sur scène, pour voir si l’univers particulier de Pacific 231 reste intact en live. Ca tombe bien, l’homme part présenter son nouveau bébé dans les petites salles du pays, avec un passage à l’Olympia de Paris les 26 et 27 novembre prochains. On se voit là bas ?

Pour écouter l’album en intégralité, cliquez ICI

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Raphaël, Pacific 231 (EMI) / Disponible en édition classique et « deluxe » / Tournée en France, dates ici.

Premier extrait avec ce TWo Much et son intro tout en programmation.

Mais encore.

Je vous laisse faire un tetris en écoutant Vesuvius, une des perles de ce chef d’Oeuvre : 8 bit et symphonique.

Je vous gâte un peu : écoute intégrale en streaming là !!! Bonne semaine avec au moins une dizaine d’écoute avant de commencer à comprendre ce disque.

Le problème des « révélations musicales de l’année», c’est qu’il y en a au bas mot dix par semaine. Bien évidemment nous autres blogueurs sommes les premiers à en rajouter dès qu’un titre d’un mec vaguement intéressant excite notre oreille. Si l’on se rend souvent à l’évidence (« bon, ok, ce type n’est pas le nouveau Prince »), je vous annonce tout de go que l’article qui suit est consacré à l’une des vraies révélations de 2010. De celles qui feront l’unanimité, pour les bonnes raisons. L’anglais Julian Perretta fait partie de cette catégorie.

Si vous suivez mes bla-bla sur ce site ou sur mon blog perso, vous saurez que mon intérêt pour le chevelu ne date pas de la réception du CD promo watermarké envoyé par une attachée de presse très sympathique à mon égard. Depuis mai 2009, je fais campagne pour le garçon, mais surtout pour sa pop-rock masculine et racée. Car oui, les prémices de sa carrière remonte à près de dix-huit mois, lorsque le premier excellent buzz track Ride My Star a fait son apparition sur le net en amont de la sortie de son premier album. Initialement signé chez Sony pour le marché anglais, Julian s’est sauvé, peu satisfait du sort qui était réservé à sa musique, et a signé dans la foulée chez Universal. Avec une équipe française autour de lui et une priorité pour notre territoire dans un premier temps, le voilà paré à enflammer les culottes des jeunes filles en fleurs, mais espérons-le, d’un plus large public également. Car le potentiel est là.

Stitch Me Up évite donc habilement les écueils de l’album de beau gosse un peu creux. Il faut dire qu’avec une partie du groupe Jamiroquai à l’écriture et la production et le hit maker Guy Chambers en renfort sur un titre (King For A Day, le meilleur ?) les choses partaient plutôt bien. Confirmation des bonnes choses entendues en juillet lors du premier concert de Perretta à la Maroquinerie de Paris, le disque enchaîne les titres pop-rock parfaitement produits, Stitch Me Up (le titre d’ouverture) en tête. Wonder Why, le premier single qui petit à petit grimpe dans le top iTunes, s’avère être une parfaite carte de visite, même si le fait de la connaître depuis plus d’un an ne joue plus en sa faveur ! La suite est une promenade très plaisante dans l’univers d’un artiste au style déjà affirmé et à la personnalité immédiatement agréable.

On retiendra en priorité les titres les plus enlevés, de Urgently Needed à 1986 en passant par Like I Do. Mais il serait malhonnête de dire que Julian n’excelle pas également sur des tempos plus calmes, ainsi que le prouvent Kings & Queens et Say You Don’t Mind, ou encore Let Me Love You et son air un peu rétro. Pour finir, If I Ever Feel Better, l’excellente reprise de Phoenix, étonnante car chantée avec un « vrai » accent anglais, ajoute une touche de hype étonnamment absente du reste du disque, qui apparaît plus mature et sincère que nombre de premiers albums d’artistes débutants.

Si vous n’allez pas à Julian nul doute qu’il ira à vous d’une manière ou d’une autre. Entre la grosse campagne de comm entourant le lancement de l’album, sa première tournée qui traversera les grandes villes de l’hexagone dès le mois d’octobre et le soutien de plus en plus massif des médias (pas seulement pour sa belle gueule, dieu merci), le chanteur devrait vite se frayer une place enviable chez nous. Avant d’enfin conquérir le monde ?

Pour écouter l’album en intégralité, c’est ici !

Pour en savoir plus : mon interview de Julian Perretta / le live report de son concert à la Maroquinerie / la playlist qu’il avait concoctée pour MyTourManager.

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Julian Perretta – Stitch Me Up (Polydor/Universal) sortie le 27/09/10 en digital et CD. En concert à Paris (Alhambra) le 20/10 et en tournée (dates ici).

Extrait de l’album  Write About Love (ooouuuhhh que c’est beau) à paraitre le 11 octobre chez Rough Trade, Come On Sister sent bon la rose. Vous m’en direz des nouvelles.

L’album regorge de surpises, comme le featuring de la belle Carey Mulligan – voui voui la petite actrice anglaise-  sur le titre Write About Love, mais aussi et surtout la collaboration de Madame Norah Jones.

Ce nouvel album sent un peu moins bons que les précédents…après quelques écoutes. Aïe Aïe Aïe je suis pas content…je suis tellement fan de ce groupe !!! Mais on va pouvoir se consoler avec quelques titres bien coolos des Écossais et cette magnifique pochette rosée intrigante, moui très intrigante…

Marty